Genghis Khan
R: Manuel Conde, Philippinen 1950, 88 min, s/w, DCP, OmE
Quelle: National Film Archives of the Philippines / Film Development Council of the Philippines

„Wissen Sie, was eine Hummel ist? Nach den Gesetzen der Aerodynamik ist ihr Körper zu schwer für die Flügel. Aber niemand hat der Hummel gesagt, dass sie nicht fliegen kann! Und mir hat niemand gesagt, dass ich
keinen Film über Genghis Khan machen kann.“
Manuel Conde

Wenn man von Genghis Khan auf sein Gesamtwerk schließen kann, muss Manuel Conde einer der großen Meister des philippinischen Kinos gewesen sein ‒ leider aber sind die meisten seiner Filme verschollen. Mit einem winzigen Budget gelingt es ihm hier, die Geschichte des mongolischen Führers in einem Stil zu erzählen, der an Dreyers Passion de Jeanne d'Arc, Eisensteins Mexiko-Fragment oder Orson Welles´ Shakespeare-Verfilmungen erinnert. Gezeigt wird die für das Film Development Council of the Philippines jüngst restaurierte Fassung, die 2015 das Herzstück des philippinischen Pavillons auf der Biennale in Venedig war.

Weil eine epochengerechte Rekonstruktion der Vita von Genghis Khan aus Geldmangel von vorneherein ausgeschlossen war, versetzt Conde die Handlung in ein abstraktes, visuelles Niemandsland, wo er mit gewagten Kamera-Positionen, extremen Close-Ups, Schatteneffekten und surrealen Bildkompositionen erfolgreich über die Beschränktheit seiner Mittel hinwegtäuscht. Ähnlich operiert Kidlat Tahimik bei seinem Film Memories of Overdevelopment, bei dem er das Zeitalter der europäischen Kolonisation Asiens mit den denkbar schlichtesten Mitteln aufruft.

Conde – der übrigens auch einen Film über die Siegfried-Sage gemacht hat – zeigte Genghis Khan bei einem Besuch in Hollywood dem Schriftsteller und Drehbuch-Autoren James Agee („Let us now praise famous men“), der von dem Film so begeistert war, dass er einen englischen Voice-Over schrieb und an einer neuen Schnittfassung mitarbeitete. Diese Version wurde 1952 mit großem Erfolg bei den Filmfestivals in Venedig und Edinburgh gezeigt.

Regie: Manuel Conde
Drehbuch: Manuel Urbano (d. i. Manuel Conde)
Kamera: Emmanuel Rojas
Production Design: Carlos V. Francisco
Musik: Juan Silos Jr
Schnitt: Rex Heinze
Ton: Flaviano Villareal
Produktion: Manuel Conde
Darsteller: Manuel Conde, Lou Salvador Sr, Elvira Reyes, Inday Jalandoni, Don Dano, Ely Nakpil, Africa De La Rosa, Ric Bustamante, Jose Villafranca, Johnny Monteiro, Andres Centenera, Leon Lizares, Inday Jaladoni schließen

 

Giliw Ko (My Dear)
R: Carlos Vander Tolosa, Philippinen 1939, 91 Min., s/w, DVD, OmE

Giliw Ko ist vermutlich der älteste, heute noch existente Film aus den Philippinen und die erste Produktion von LVN, das eines der wichtigsten Filmstudios des Landes werden sollte. Antonio (Fernando Poe) ist Dirigent eines Jazz-Orchesters in Manila. Bei einem Besuch auf der Hacienda seiner Familie entdeckt er das Gesangstalent seiner Stiefschwester Guia (Mila del Sol), als sie den philippinischen Klassiker „Tunay na Tunay“ singt. Er überzeugt sie, in Manila ihr Glück als Sängerin zu versuchen, und stellt sie bei ihrem ersten Radioauftritt als „Madonna der Ätherwellen“ vor. Enttäuscht von der Oberflächlichkeit der High Society in Manila kehrt Guia schließlich auf ihre Hacienda zurück.

Obwohl Giliw Ko ein deutlich von den Warner-Produktionen der Vorkriegszeit inspiriertes Musical ist, zieht sich ein anti-kolonialistischer bzw. nationalistischer Unterton durch den gesamten Film. Der kulturelle Einfluss der amerikanischen Kolonialherren, unter deren Ägide sich die Philippinen seit 1898 befanden, wird deutlich thematisiert und sachte missbilligt. Guias Obsession mit amerikanischen Filmstars und ihren Manierismen, die bis in ihre Mimik reichen, die Jazz-Band und die Medienwelt Manilas, die amerikanischen Songs, die Guia sich zu singen letztlich weigert, stehen für eine entfremdete Gegenwelt zu dem ländlichen Idyll auf der Hacienda der Familie, wo philippinische Werte noch etwas zählen und zuletzt ein autochthones Bambus-Orchester zur Hochzeit aufspielt. Dass somit die von den Spaniern geerbte Plantagenwirtschaft als das "Eigene" gegen den Jazz in Anschlag gebracht wird, der einmal aus dem Widerstand gegen die Sklavenarbeit auf den amerikanischen Plantagen hervorgegangen ist, gehört zu den ambivalenten Spuren der philippinischen Kolonialgeschichte, in der die Amerikaner 1898 die Spanier als Kolonialherren ablösten.

Regie: Carlos Vander Tolosa
Drehbuch: Carlos Vander Tolosa
Kamera: Remigio Young
Musik: Juan Silos Jr und Ariston Avelino
Montage: Nario Rosales
Ton: Julio Hidalgo
Choreographie: Manolo Rosado
LVN Pictures
Darsteller: Mila del Sol, Fernando Poe, Sr., Ely Ramos, Fleur de Lis (Mona Lisa), Ben Rubio, Precioso Palma, Cecilio Joaquin, Vita Ortega, Nieves Obieta schließen

 

A Portrait of the Artist as Filipino
R: Lamberto Avellana, Philippinen 1965, 110 min, s/w, DCP, OF (englisch)
Quelle: Deutsche Kinemathek / Film Development Council of the Philippines

A Portrait of the Artist as Filipino basiert auf dem bekanntesten Theaterstück des immer wieder als Nobelpreis-Kandidaten gehandelten Schriftstellers Nick Joaquin, das die Nostalgie nach dem untergegangenen, spanisch geprägten Manila der Vorkriegszeit mit einer Klage über die durch-amerikanisierte Gegenwart verbindet. Hier gibt es durchaus Berührungspunkte mit der Kritik an den Philippinen, die Kidlat Tahimik in Filmen wie Der Parfümierte Alptraum oder Why is Yellow the Middle Colour of the Rainbow? formuliert.

Der prominente, doch in die Jahre gekommene Maler Don Lorenzo Marasigan (Pianing Vidal) verbarrikadiert sich seit einem Jahr in seinem Atelier in der Altstadt von Manila, wo er an einem Selbstportrait arbeitet, das nicht nach seinen Vorstellungen gelingen will. Aus Geldmangel sehen sich seine beiden Töchter Candida und Paula gezwungen, Tony Javier (Vic Silayan) als Untermieter in ihr Haus aufzunehmen, der genau die Art von großstädtischer Modernität verkörpert, vor der sich ihr Vater in seinem Studio abschottet. Javier will das Selbstportrait stehlen, um es für viel Geld zu verkaufen, und er kann schließlich Paula überzeugen, ihm bei seinen Plänen zu helfen.

Joaquins Stück war in der Inszenierung von Lamberto Avellana so populär, dass der Regisseur es 1965 verfilmte. Der Stil von A Portrait of the Artist as Filipino wäre mit dem Titel einer Kurzgeschichtensammlung Joaquins gut bezeichnet: Tropical Gothic. Das zunehmend klaustrophobische Innenleben des Familienanwesens von Don Lorenzo wird in atmosphärischen Scharz-Weiß-Bildern gezeigt, die an die düster-stimmungsvollen Proto-Film-Noirs erinnern, die Regisseure wie Jacques Tourneur oder Robert Siodmak in den 40er Jahre drehten.

Gezeigt wird die 2015 im Auftrag des Film Development Board of the Philippines von L’Immagine Ritrovata in Bologna restaurierte Fassung, bei der auch eine im Besitz der Deutschen Kinemathek befindliche Kopie des Films Verwendung fand. schließen

Maynila: Sa mga kuko ng liwanag 
(Manila in the Claws of Light)
R: Lino Brocka, Philippinen 1975, 125 min., Farbe, 35mm, DCP, OmE
Quelle: Cineteca di  Bologna

Ebenfalls von L’Immagine Ritrovata in Bologna restauriert wurde Manila in the Claws of Light, das neorealistische Großstadt-Melodrama, das Lino Brocka international bekannt machte. Der „Provinciano“ Julio Madiaga kommt auf der Suche nach seiner verschwundenen Freundin Ligaya Paraiso von der Insel Marinduque in die Großstadt Manila, wo er sich mit Gelegenheitsjobs und Prostitution durchschlagen muss. Der Film gilt heute als einer der großen Klassiker des philippinischen Kinos dieser Periode, in der auch die Autorenfilmer Ishmael Bernal, Mike De Leon und Kidlat Tahimik ihre ersten Filme schufen.

Der Film basiert auf einem Fortsetzungsroman von Edgardo Reyes, der von 1966 bis 1967 in der Wochenzeitschrift Liwayway erschienen war. Der philippinische Filmwissenschaftler und Regisseur Clodualdo del Mundo hatte daraus in einem Seminar an der Universität Ateneo de Manila ein Drehbuch entwickelt.
Gezeigt wird, zum ersten Mal in Deutschland, die mit Unterstützung von Martin Scorseses World Cinema Foundation restaurierte Fassung, die 2013 beim Film Festival in Cannes und 2014 im Museum of Modern Art in New York zu sehen war. 

Regie: Lino Brocka
Drehbuch: Clodualdo del Mundo, Jr.
Produktion: Miguel de Leon, Severino Manotok
Musik: Max Jocson
Kamera: Miguel de Leon
Schnitt: Edgardo Jarlego, Ike Jarlego
Darsteller: Bembol Roco, Hilda Koronel, Lou Salvador, Jr., Joonee Gamboa, Tommy Abuel, Lily Gamboa-Mendoza, Jojo Abella, Tommy Yap, Juling Bagabaldo
Cinema Artists Philippines schließen

 

Signed: Lino Brocka
R: Christian Blackwood, USA 1987, 85 min, Farbe, 16 mm, OmU
Quelle: Arsenal - Institut für Film und Videokunst

Den großzügigen und offenen Genius des Regisseurs Lino Brocka, dem wohl bekanntesten philippinischen Filmemachers seiner Generation, hat Christian Blackwood in seinem Portrait Signed: Lino Brocka kongenial eingefangen. Man sieht Brocka bei Dreharbeiten zu einem der kommerziellen Auftragsfilme, mit denen er sich seine sozialkritischen Werke finanzierte. In langen Interviewpassagen spricht er darüber, wie er nach dem Krieg auf den Philippinen aufwuchs, über seinen Weg zum Film, seine Homosexualität und seine politische Arbeit, die ihn während der Marcos-Diktatur kurzzeitig ins Gefängnis brachte. Signed: Lino Brocka entstand vier Jahre vor Brockas Tod, zu einem Zeitpunkt, als seine internationale Bekanntheit ihren Höhepunkt erreicht hatte. Es ist der einzige Dokumentarfilm über ihn.

Der 1942 in Berlin geborene Christian Blackwood hat seit den 1960er Jahren - zunächst in Deutschland, später in den USA - vor allem als Kameramann gearbeitet, aber auch bei rund 20 Dokumentarfilmen Regie geführt. Eine seiner ersten Kameraarbeiten war Nicht versöhnt oder Es hilft nur Gewalt, wo Gewalt herrscht (1965) von Jean-Marie Straub und Danièle Huillet. Mit Hans Jürgen Syberberg hat er Sex-Business - Made in Pasing (1969) und den hier gezeigten San Domingo (1970) gedreht. 1966 gründete er gemeinsam mit seinem Bruder Michael in New York die Produktionsfirma Blackwood Productions, für die er bei zahlreichen Dokumentarfilmen, oft über prominente, aber kontroverse Personen der Zeitgeschichte, die Kamera geführt hat. Ab 1982 hatte er eine eigene Produktionsfirma. Christian Blackwood starb 1992 in New York.

Regie, Buch, Kamera: Christian Blackwood
Ton: John Murphy
Musik: Michael Riesman
Schnitt: Monika Abspacher schließen

 

Himala
R: Ishmael Bernal, Philippinen 1982, 124 min, Farbe, DCP, OmE
Quelle: ABS-CBN Manila

"Es gibt keine Wunder! Wir machen die Wunder selbst!" ruft Elsa in der Schlussszene von Himala all denen zu, die an sie und ihre Heilkräfte geglaubt hatten. Ishmael Bernals wütende Parabel über ein philippinisches Dorf, das sich in einen Wallfahrtsort verwandelt, ist einer der großen Klassiker des philippinischen Kinos. Er gehörte in den Philippinen zu den erfolgreichsten Filme der 80er Jahre und war auch der erste philippinische Film, der im Wettbewerb der Berlinale lief.

Während einer Sonnenfinsternis glaubt Elsa (gespielt vom philippinischen Superstar Nora Aunor) eine Erscheinung der Jungfrau Maria gesehen zu haben. In ihrem Heimatdorf Cupang macht bald das Gerücht die Runde, dass sie durch die Marienerscheinung Heilkräfte erworben habe. Innerhalb kurzer Zeit wird das Dorf zu einem Wallfahrtsort, der Hunderte von Hilfsbedürftigen und in ihrem Gefolge allerlei Geschäftemacher und Trittbrettfahrer anzieht. Die vielen Besucher bescheren dem Dorf nicht nur kurzzeitigen Wohlstand, sondern bringen auch das soziale Gefüge nachhaltig durcheinander.

Ishmael Bernal gehörte neben Lino Brocka, Mike De Leon und Kidlat Tahimik zu den Regisseuren, die Ende der 70er Jahre den philippinischen Autorenfilm international bekannt machten. Das Drehbuch für Himala schrieb der wichtige Drehbuchautor Ricky Lee. Der Film wurde von Experimental Cinema of the Philippines produziert, einer Gründung der Diktatorengattin Imelda Marcos mit dem erklärten Ziel, anspruchsvolle Filme herzustellen.

Regie: Ishmael Bernal
Drehbuch: Ricky Lee
Produktion: Bibsy M. Carballo, Trina N. Dayrit, Charo Santos-Concio
Musik: Winston Raval     
Kamera: Sergio Lobo
Schnitt: Ike Jarlego Jr.     
Besetzung: Joel Lamangan     
Produktionsdesign: Raquel Villavicencio
Art Direction: Dennis Cid, Bing Fabregas, Benjie Garcia     
Maske: Siony Tolentino
Assistant Director: Warlito Teodoro
Requisite: Narciso Atienza, Lameth Bahian, Jovito Rigodon
Ton: Vic Macamay
Darsteller:  Nora Aunor, Veronica Palileo, Spanky Manikan, Gigi Dueñas, Vangie Labalan, Laura Centeno, Ama Quiambao, Ben Almeda, Cris Daluz, Aura Mijares, Joel Lamangan, Ray Ventura, Pen Medina, Tony Angeles, Joe Gruta, Estela De Leon, Lem Garcellano, Cesar Dimaculangan, Mahatma Canda, Vicky Castillo, Richard Arellano, Erwin Jacinto, Potenciano Guzman, Reynaldo Mababangloob III, Nelson Obach schließen

 

Der lachende Stern
R: Werner Schroeter, D/Philippinen 1983, BluRay, OmU, 109 min

Die Nähe von Pathos und Pathologie, die Ishmael Bernal in Himala in Szene setzt, mag auch Werner Schroeter angezogen haben, als er wenig später Der lachende Stern drehte, eine essayistische Annäherung an die Philippinen in der Endphase der Marcos-Diktatur, in der er eine Fülle von hoch interessantem Material, zum Teil selbst gedreht, zum Teil found footage, zum Portrait einer schizophrenen Gesellschaft montiert. Der Film bietet eine Außenperspektive auf die Spätfolgen des Kolonialismus und die Verwerfungen der Marcos-Ära, und steht dabei im spannungsreichen Kontrast zu den offenen und improvisierten Filmkonstruktionen, in denen Kidlat Tahimik diese Themen angeht, vor allem in Why is yellow the middle colour of the rainbow? (1994).

In der "Zeit" war 1985 über den Lachenden Stern zu lesen: "Der lachende Stern erlaubt es dem Zuschauer nicht, sich gemächlich in seinem Kinosessel zurückzulehnen. Dazu ist er zu engagiert und in seiner Machart zu dynamisch. Schroeter erzählt die Geschichte eines Landes, das drei Jahrhunderte unter spanischer Herrschaft stand und seit Jahrzehnten dem Einfluss Amerikas unterliegt. Nicht chronologisch wird berichtet, sondern assoziativ mit Dokumentaraufnahmen, Spielfilmausschnitten, nachgestellten Dialogen, Interviews und Spielszenen - unterlegt ist alles mit Musik. Anlass für seinen kritischen Blick auf die Philippinen war das Internationale Filmfestival in Manila 1983, auf dem - aus dem Munde der First Lady und Initiatorin des Festivals, Imelda Marocs - viel von Humanität, Liebe und menschlichen Reserven die Rede war und das von einem Grußwort Ronald Reagans begleitet wurde. Deutlicher als auf diesem Festival konnte kaum zutage treten, wie weit die Vertreter der Macht sich von ihrem Volk entfernt haben." schließen

 

Le fils maudit
R: Mohammed Ousfour, Marokko 1958, 35mm, OmE, 50 min

Mohammed Ousfour gilt als der erste Marokkaner, der einen Film in Marokko gedreht hat, eine Tarzan-Verfilmung auf 8mm, uraufgeführt 1941 in einem Innenhof in Casablanca. Seine Leidenschaft für das Kino trieb ihn zu den aberwitzigsten filmischen Wagnissen und des Öfteren in den Ruin. Zu den wenigen noch verfügbaren Filmen Ousfours gehört Le fils maudit, den wir hier in einer restaurierten 35mm-Kopie des Centre Cinématographique Marocain zeigen. Der Film erzählt in einer noch vom Freigeist der Stummfilmzeit beseelten Manier die Geschichte eines jungen Mannes aus nachlässigem Elternhaus, der unweigerlich auf kriminelle Abwege gerät. Aus Sparzwängen verzichtete Ousfour bei den Dreharbeiten auf Tonaufnahmen. Stattdessen wurde der Film dann bei jeder Vorführung von ihm selbst live vertont, ein virtuoses Spektakel, bei dem Ousfour sämtliche Stimmen des Films gesprochen, aber auch Geräusche produziert und Musik eingespielt hat. Eine Tonbandaufnahme einer solchen Live-Vertonung wurde bei der Restaurierung der 35mm-Kopie des Films verwendet und als feste Tonspur angelegt.

In jeder Geschichte des marokkanischen Kinos kommt Mohammed Ousfour (1927 - 2005) irgendwie vor - als findiger Autodidakt war er eine unschätzbare Hilfe für die zahlreichen Hollywood-Regisseure, die sich eine zeitlang in Marokko die Klinke in die Hand gaben, um dort ihre Sandalen- und Spionagefilme zu drehen. Dass Ousfours eigene Filme aber bis heute in Marokko nicht kanonisiert sind, macht ihn Kidlat Tahimik ähnlich, der in der institutionell gepflegten philippinischen Filmgeschichte ebenfalls einen Status zwischen mythischer Figur und Außenseiter hat. Beide verbindet auch die unverkrampfte Freude, das "Eigene" als hoffnungslos widersprüchlich zu inszenieren. schließen

 

Contras'City
R: Djibril Diop Mambéty, Senegal 1968, 16mm, OmE, 22 min

Badou Boy
R: Djibril Diop Mambéty, Senegal 1970, 16mm, OmE, 59 min

Der 1998 verstorbene Mambéty ist für viele der wichtigste Filmemacher des afrikanischen Kontinents, was freilich nichts daran ändert, dass auch er zu Lebzeiten ein Randgänger blieb. Sein bei weitem bekanntester Film dürfte Touki Bouki (1973) sein, von dem man ohne Übertreibung sagen kann, dass er das "afrikanische Kino" neu erfand und auch weit über den kulturellen Kontext hinaus neue Maßstäbe im sogenannten Dritten Kino setzte. Mehr noch als dieser lassen aber Mambétys erste Filme, Contras'City und Badou Boy, an Kidlat Tahimiks Frühwerk denken. Beide Filmemacher bewundern die Cleverness der Kinder, lieben bunte, klapperige Sammeltaxis und himmeln ihre Idole an, um sie umso besser verspotten zu können. "Oh süßes Frankreich, du verträgst wohl die Sonne nicht? Ah, das ist Dakar, mein Schatz!" Dakar ist die Heldin fast aller Filme Mambétys, der er sich aber immer im Gewand der Loser, Zocker und Tagediebe nähert. Während Contras'City eine brillante, expressionistische De/Montage der postkolonialen Stadt ist, kann man Badou Boy als eine Sinfonie Dakars beschreiben, inszeniert als Spießrutenlauf im Rhythmus des Funk.

Contras'City ist - wie der Titel schon dichtet - eine kontrastierende Zusammenstellung fragmentarischer Impressionen aus Dakar: Schnörkel im Kolonialstil, orientalistische Art déco Ranken um das Büro eines reichen Cheikhs an der place d'Oran? – Nein, es gehört dem Tankstellenwart von TOTAL, christliche Mittelstands-Frömmigkeit in der Mittagshitze vor der Cathédrale Notre dame de Victoire, Marktszenen in Colobane mit krachenden Farben und Blumen, Gedränge auf der Fußgängerbrücke über die Autobahn, Szenen beim Friseur und Schneider, muslimisches Freitagsgebet in der Straße (marabout-coran oder marabout-cognac...) – narrativ zusammengehalten von einer Kora sowie einem ironischen Dialog im Off: „Oh ma douce France!“ Höfische Trompeten (Bach Orchester Suite BWV 1068). Geräusch der Pferdekarre, die bald durchs Bild zieht.

Badou Boy kommt narrativer daher und erzählt eine für Mambéty typische Geschichte eines cleveren Herumtreibers in den populären Viertels Dakars. Ebenso mühelos und elegant wie der Hüftschwung, mit dem der Badou Boy, gespielt von Lamine Bâ, die notorischen Pfützen in den Straßen Dakars überspringt, vollzieht die musikalisch-dynamische Montage in diesem Film ständige Perspektivwechsel. In ununterbrochener Variation übernehmen jeweils Ton, Bild oder Bewegung den Lead und treiben den Film genau so vor sich her wie der Bulle (Brigadier Al, gespielt von Al Demba Ciss) den Tunichtgut durch den urbanen Alltag der Postkolonie scheucht, während das Radio ab und an die wenig beachteten Nachrichten aus der großen franko-senegalesischen Welt herausposaunt. Kora-Linien und quäkendes Synthesizer-Keyboard wechseln sich ab und bilden einen psychedelischen Groovy Funk Rock, Western- und Agentenfilm-Soundtrack, untermalt nicht zuletzt von der langsamen und tiefen Offstimme Djibril Diop Mambétys, die – wie die zahlreichen Slapstick-Szenen in deutlicher Stummfilmreferenz – neben der Funktion des Erzählers auch jene der Obrigkeit übernimmt: der kleine Beamte, der Polizeidirektor und der Radiosprecher. schließen

 

San Domingo
R: Hans-Jürgen Syberberg, D 1970, 35mm, OF, 138 min

Wer mit dem Namen Hans-Jürgen Syberberg vor allem dessen weitaus bekannteren Filme über Richard Wagner, König Ludwig und Adolf Hitler verbindet, wird über das schwarz-weiße Generationenportrait San Domingo überrascht sein, eine auf Kleists "Die Verlobung von St. Domingo" basierende Geschichte, die Syberberg in eine anarchistische Landkommune in Bayern transponiert. Wenn in den ersten Einstellungen des Films ein blonder Eros aus Palmwedeln auftaucht, mögen einem zwar kurz Parsifal oder der Märchenkönig Ludwig in den Sinn kommen, dann jedoch entpuppt sich die Szenerie als das Münchener Palmenhaus, wo der Blonde gerade Feierabend hat. Der Soundtrack von Amon Düül II setzt ein, in den Credits werden "die Rocker aus der Münchener Vorstadt" und "die Mitglieder der Roten Zelle Germanistik" angekündigt und man ahnt, wo es hingeht ‒ und kommt doch aus dem Staunen nicht heraus, was hier alles zusammen kommt, sich küsst, prügelt, entführt und erpresst. San Domingo ist eine Zeitreise in das Bayern, in dem auch Kidlat Tahimik Anfang der 70er Jahre gelebt hat, ein unglaublich dichtes Zeitdokument, wobei den zum großen Teil nicht-professionellen Darstellern enorme Spielräume gelassen werden, ihre Charaktere bis in die Nuancen hinein auszuarbeiten.

Die Geschichte um einen hübschen Bürgersohn, der als Geisel der Kommunarden zu politischem Bewusstsein erwacht, und eine afro-österreichische Aussteigerin funktioniert eher als Vorwand, um alle Spiel- und Lebensformen des Protests, die seinerzeit im Umlauf waren, vor der Kamera in Clinch zu bringen und Rocker und Anarchisten im antikolonialen Kampf zu vereinen. Der Film endet zeit- aber wohl nicht ortstypisch mit einem Eldridge Cleaver Zitat. Syberberg und seinem Ko-Autor und Kameramann Christian Blackwood (der auch mit Signed Lino Brocka in dieser Retrospektive vertreten ist) nimmt man die Hommage an die Black Panther allerdings noch eher ab als Andreas Baader, der damals gerade seine ersten Auftritte gehabt hatte und sicher auch Pate stand für die eine oder andere Figur. schließen

 

Reminiscences from a Journey to Lithuania
R: Jonas Mekas, USA 1971, 16mm, OF, 83 min
Kopienquelle: Arsenal - Institut für Film und Videokunst

1971 fuhren Jonas und Adolfas Mekas auf Einladung des sowjetischen Ministeriums für Kultur zu den Film-Festspielen nach Moskau und nahmen die Gelegenheit wahr, ihre Familie in Birsen in Litauen zu besuchen. Mit Unterstützung des NDR drehten die beiden einen Film über diese Reise in die Vergangenheit. Der Film beginnt in New York, der Stadt, in der sie heute leben, und zeigt die Plätze, wo sie ihre ersten Jahre nach der Einwanderung verbrachten. Der zweite Teil wurde in Litauen aufgenommen. Hier treffen sie ihre Familien, ihre Freunde wieder und begegnen der inzwischen veränderten Welt ihrer Kindheit und Jugend. Schließlich führt der Film nach Wien, wohin die Brüder, die Mitglieder der Widerstandsbewegung waren, auf der Flucht vor den deutschen Besatzungsbehörden reisen wollten, und nach Elmshorn bei Hamburg, wohin sie tatsächlich verschlagen wurden und wo sie als Zwangsarbeiter in einem Lager lebten, aus dem sie jedoch wieder flüchteten. Ein illegales Versteck in Schleswig-Holstein und ein DP-Lager der Nachkriegszeit waren die nächsten Stationen ihrer Odyssee, die erst 1949 in Amerika ihr Ende fand.
(Aus dem Katalog des Internationalen Forum des Jungen Films, Berlin 1972)

Beide Brüder haben über diese Reise einen Film gedreht. Wir zeigen hier Jonas Mekas' Reminiscences from a Journey to Lithuania, nicht nur weil er wie die Filme Kidlat Tahimiks vom Exil, vom Reisen und Zurückkommen handelt, sondern weil er auch in seiner dem Zufall offenen Form und seinem unverwüstlichen Humor Tahimiks Travelogues verwandt ist. Und nicht zuletzt führt auch Mekas' Reise nach Deutschland, getrieben allerdings von den Erinnerungen an die Zwangsarbeit und das vierjährige Überleben in den Lagern für "displaced persons". Ebenso sehenswert ist Adolfas Mekas' Going Home (1971), den er gemeinsam mit Pola Chapelle gedreht hat. Von beiden Filmen gibt es 16mm-Kopien im Archiv des Arsenal - Institut für Film und Videokunst.

Ich ging durch die Straßen Brooklyns, doch die Erinnerungen, die Gerüche, die Geräusche, an die ich mich erinnerte, kamen nicht aus Brooklyn, sie kamen immer noch aus meiner Heimat. Und ich sah auf meine Freunde, wie sie arbeiteten und lebten, und ich dachte, daß sie auch die Erinnerungen an ihre Heimat mit sich trugen, Erinnerungen, die der Wirklichkeit um sie herum überhaupt nicht entsprachen. - Jonas Mekas in Reminiscences from a Journey to Lithuania schließen

 

Nippon-koku Furuyashiki-mura
(Das Dörfchen Furuyashiki)
R: Shinsuke Ogawa, Japan 1982/83, 16mm, OmU, 210 min
Kopienquelle: Arsenal - Institut für Film und Videokunst

Zu den wenigen Filmemachern, denen Kidlat Tahimik in seinen Filmen eine direkte Hommage erweist, gehört der japanische Regisseur Shinsuke Ogawa. Bekannt machten ihn seine Dokumentationen von politischen Kämpfen im Japan der 60er und 70er Jahre, legendär wurde er durch einen Zyklus von Langzeitdokumentationen über ein Dorf im Zao-Gebirge, in dem er die Spuren der gesamten Geschichte Japans vorfand: von frühgeschichtlichen Schalentieren über die Katastrophe des zweiten Weltkriegs bis hin zum Nachkriegs-Wirtschaftswunder. Nippon-koku Furuyashiki-mura (Das Dörfchen Furuyashiki) war das erste dieser entschleunigten Filmabenteuer.

"Im Jahr 1980 nahm Ogawa mit seinem Kollektiv ein Projekt in Angriff, bei dem der Einfluss des Wetters auf die Lebensbedingungen und die Arbeit lokaler Bauern untersucht werden sollte. Durch den sogenannten shirominami ('Weißer Süden', aus dem Pazifik hereinströmende Kaltluft), waren in diesem Jahr die Frühlings- und Sommertemperaturen extrem gefallen, so dass sich die Bauern ernsthaft um die Ernte sorgten. Für die Dreharbeiten wurde das Dörfchen Furuyashiki im Zao-Gebirge im Norden Japans ausgewählt, in dem es nur noch acht bewohnte Häuser gab.

Der erste Teil des Films zeigt wissenschaftliche Untersuchungen über die Auswirkung der kalten Wetterlage auf die Ernte. Angefangen mit Experimenten, bei denen die Strömung der Kaltluft anhand von topographischen Modellen simuliert werden sollte, unternahm das Filmteam auch geologische Studien und dokumentierte anhand mikroskopischer Photographie das Wachstum einer Reispflanze. Im zweiten Teil des Films verlagert sich der Schwerpunkt langsam auf die Geschichte des Dorfes und seiner Bewohner. Alte Leute erzählen über ihr Leben, über die ehemals florierende Kohle-Herstellung und den Weggang der Jugendlichen, der dadurch begründet war, dass die einzige Verbindungsstraße zur Stadt modernisiert wurde.

Schließlich erzählt ein alter Mann über seinen Aufenthalt in der Mandschurei während des Krieges und die späte Heimkehr nach Japan, während andere Soldaten in Neuguinea stationiert blieben. Das Dörfchen Furuyashiki stellt sich im Verlauf des Films als ein Mikrokosmos heraus, in dem sich bis zu einem gewissen Punkt die Entwicklung des modernen Japan in der Shôwa-Zeit widerspiegelt."
- Aus einem Programmtext des japanischen Kulturinstituts Köln schließen

 

Le miracle des loups
(Das Wunder der Wölfe)
R: Raymond Bernard, Frankreich 1924, 35mm, OmE, 133 min
Kopienquelle: Gaumont Pathé archives

Als Kidlat Tahimik seinen Debütfilm Der parfümierte Alptraum 1977 ans Forum schickte, lag der Sendung ein Brief an Erika und Ulrich Gregor bei sowie als weitere Anlage ein kurzes Referenzschreiben von Henri Langlois, dem berühmten Gründer der Cinémathèque Française. Langlois schrieb: "Ich empfehle Ihnen hiermit Herrn Eric de Guia (von den philippinischen Inseln), Regisseur, welcher Ihnen sehr verbunden wäre, wenn Sie ihm gestatten würden, einen Ausschnitt des Films Miracle des loups zu zeigen, um damit Madame Georgette Baudry eine Hommage zu erweisen, die den Star Yvonne Sergul in der großen Szene mit den Wölfen gedoublet hat. Mit vorzüglicher Hochachtung etc. pp."

In zwei handschriftlichen Fußnoten erläuterte Kidlat Tahimik zum einen, dass "Eric de Guia" sein bürgerlicher Name sei, zum anderen, dass "Georgette Baudry" die 70-jährige Dame sei, die in seinem Film die Eierverkäuferin spiele. "Sie ist eine wahrhafte 'Händlerin der Vier Jahreszeiten'. Ich habe über mehrere Jahre immer Eier bei ihr gekauft. Als ich sie fragte, ob sie in meinem Film mitspielen würde, überraschte sie mich mit einem Geheimnis: sie trat zwischen 1924 - 1930 in Filmen auf (etwa ein Dutzend). Und 50 Jahre später verkauft sie Eier auf den Straßen von Paris! Ich schlug Henri Langlois vor, 'Warum nicht eine Hommage an Georgette Baudy an der Cinémathèque? Warum immer nur Hommagen an Alain Delon und Marlon Brando?' Deshalb schrieb er dieses Empfehlungsschreiben." Mit einiger Verspätung soll nun Kidlat Tahimiks Wunsch in Erfüllung gehen, Georgette Baudry mit einer Vorführung von Le miracle des loups eine Hommage zu erweisen.

Le miracle des loups gehört zu den großen Klassikern des französischen Kinos und war zu seiner Zeit eine der aufwändigsten und teuersten Filmproduktionen, die es bis dato gegeben hatte. Schon bei zeitgenössischen Rezensenten brachte der Film Raymond Bernard den Ruf ein, die französische Antwort auf D.W. Griffith zu sein. Obwohl diese Auszeichnung auch als rhetorisches Muskelspiel zu lesen ist vor dem Hintergrund der erdrückenden Übermacht, die das amerikanische Kino nach dem ersten Weltkrieg erreicht hatte, so rechtfertigt Le miracle des loups voll und ganz die Begeisterung, die ihm zuteil wurde. Die Geschichte spielt Ende des 15. Jahrhunderts, als Frankreich im Gefolge des Hundertjährigen Krieges zersplittert war. Den Bestrebungen König Ludwigs XI, das Land unter seiner Krone zu einen, leistet der Adel, angeführt vom Herzog von Burgund, erbitterten Widerstand. Ein junger Edelmann gerät im Ränkespiel zwischen die Fronten der Liebe und der politischen Loyalität, als er sich in Jeanne Fouquet, die Patentochter des Königs verliebt.

Bernard inszeniert das nationalistische Epos mit dramaturgischer Eleganz und feinem Humor. Berühmt wurde der Film vor allem durch seine noch heute atemberaubenden Schlüsselszenen, wie die mit Tausenden Komparsen gedrehte Belagerung von Beauvais (für die Griffiths "Belagerung von Babylon" als Vorlage diente), die Inszenierung der Schlacht von Montlhéry, in der die Gräuel des Krieges mit einem im Kino noch kaum gesehenen Realismus dargestellt werden, und nicht zuletzt die berüchtigte Szene, in der ein Rudel Wölfe die von Häschern bedrängte Jeanne Fouquet beschützt und ihren Verfolgern aufs Grausamste den Garaus macht.

Der Film wurde 1930 in einer kürzeren Tonfassung neu herausgebracht. 1961 drehte André Hunebelle mit Jean Marais in der Hauptrolle ein Remake. Gezeigt wird die mittlerweile restaurierte Original-Fassung mit französischen Zwischentiteln und englischen Untertiteln. schließen